Lausanne Underground Film & Music Festival (LUFF) 2023

Du 18 au 22 octobre s’est déroulée la 22e édition du Lausanne Underground Film & Music Festival (LUFF), toujours fidèle à sa volonté de faire découvrir des films méconnus ou oubliés du grand public par l’intermédiaire de plusieurs rétrospectives et de montrer des créations actuelles marginales dans les sélections officielles de courts et longs métrages. Entre deux verres de la célèbre absinthe du LUFF et quelques concerts, trois membres de Ciné-Feuilles se sont aventurés sur les différents lieux de projection du festival - à savoir principalement dans les salles du Casino de Montbenon, mais aussi au cinéma Bellevaux et à l’EJMA - pour partager quelques films emblématiques de cette édition haute en couleur.

Dans une salle Paderewski bondée, c’est The Belgian Wave de Jérôme Vandewattyne qui a ouvert le bal mercredi soir. Après le poétique After Blue de Bertrand Mandico en 2021, et les performances culinaires de Flux gourmet de Peter Strickland en 2022, l’entrée 2023 a été éreintante avec cette «Belgian Wave», terme utilisé pour décrire une pseudo-invasion extraterrestre en terre wallonne dans les années 1990. Le film utilise de fausses images d’archives qui entrecoupent une recherche folklorique d’un journaliste disparu lors de son enquête sur le phénomène. Pas aisé d’accrocher à ce «fan film» qui rejoue dans un tintamarre épuisant les grandes scènes cultes (du Terry Gilliam avec Las Vegas parano, Kubrick avec la scène aux masques de Eyes Wide Shut, des faux-airs lynchiens, de l’horreur avec caméra à l’épaule version Blair Witch…) Du fun mal calibré, un film très «vidéoclub» qui finit par filer la migraine, et finalement interroger sur l’identité réelle de son réalisateur qui se paume dans une accumulation de références en check-list.

Un de nos coups de cœur du festival provenant de la sélection du Concours international de longs métrages: il s’agit de Hundreds Of Beavers de Mike Cheslik (USA, 2023). D’emblée, le film impressionne par son inventivité et son humour qui puise dans différents univers tout en s’inspirant du cinéma muet des années 1920. Loin de se contenter du simple statut de pastiche ou de parodie, le film se réapproprie véritablement les codes de cette période: impossible de ne pas penser à La Ruée vers l’or lorsqu’après la destruction de sa fabrique de cidre le personnage principal Jean Kayak se voit errer seul dans la neige au fin fond de l’Amérique et, affamé, voit des éléments naturels se transformer en nourriture par un procédé de surimpression; ou aux films de Buster Keaton lorsque la malchance du protagoniste engendre toutes sortes de cascades invraisemblables.

Le film s’inscrit également dans un esprit très «Looney Tunes»: il met en scène les différents plans élaborés minutieusement par Jean Kayak pour tuer des castors - joués par des humains déguisés - qui servent de monnaie d’échange auprès d’un marchand bourru. Le film montre les échecs successifs du personnage - schéma qui nous rappelle Tom et Jerry ou Bib Bip et Coyotte - avant qu’il ne devienne expert en la matière. Sa mission: tuer cent castors pour pouvoir épouser la fille du marchand dont il est amoureux. Le film multiplie les références et les clins d’œil à différents genres et films, de James Bond à Sherlock Holmes - deux castors enquêtent sur les morts mystérieuses de leurs confrères - en passant par M le Maudit lors d’une scène de procès. Son humour repose en partie sur la répétition, mais également sur un habile montage qui crée des effets de surprise. Les décors sont extrêmement simples, ostensiblement artificiels, le film ne cherchant pas à être réaliste, mais au contraire à jouer sans cesse sur l’exagération - notamment par le jeu d’acteur de Ryland Brickson Cole Tews qui enchaîne les expressions et les onomatopées excessives, le film ne contenant aucun dialogue.

Le LUFF accorde également chaque année une place centrale aux longs métrages documentaires. Parmi ceux-ci figuraient Mutiny In Heaven: The Birthday Party (Ian White, Australie, 2023) et What You Could Not Visualise (Marco Porsia, Canada, 2022), tous deux consacrés à des groupes musicaux. Tandis que le premier retrace les débuts du chanteur Nick Cave et l’ascension mouvementée de son premier groupe «The Birthday Party» entre 1977 et 1983, le second tente de reconstruire la trajectoire en queue de poisson du groupe Rema-Rema. Les deux films portent ainsi sur la période post-punk au tournant des années 1980 qui a vu se multiplier les groupes de musique, dont certains ont bénéficié d’une reconnaissance qui perdure - on pense par exemple à Joy Division - et d’autres sont tombés dans l’oubli.

L’originalité de What You Could Not Visualise repose essentiellement sur le fait que la carrière du groupe pourtant prometteur Rema-Rema - qui n’a sorti qu’un seul EP – n’a duré que quelques mois, pour un total d’une douzaine de concerts. Aucun de ceux-ci n’a été filmé, de sorte que l’on en vient presque à douter de l’existence du groupe. Le film se définit comme «un artefact visuel», une trace du «phénomène Rema-Rema» dont il ne reste rien ou presque. Malgré cette idée intéressante, le documentaire tombe dans les travers de ce type de productions, en accordant trop d’importance aux entretiens avec les membres du groupe qui livrent leur regard rétrospectif – et forcément biaisé. C’est également le cas dans Mutiny In Heaven: The Birthday Party, où les problèmes d’addiction à la drogue et les difficultés financières du groupe australien lors de son exil à Londres tendent à être romantisés. Des documentaires qui sont en fin de compte assez classiques dans leur forme - type « docu Netflix», surtout pour Mutiny In Heaven - mais qui éclairent des événements méconnus, et présentent des groupes extrêmement talentueux. Et c’est toujours un plaisir de pouvoir savourer les scènes de concerts particulièrement impressionnantes de «The Birthday Party», avec des images d’archives inédites!

En ce qui concerne les courts métrages, la sélection d’animation était riche, voire un peu trop. En effet, douze courts étaient proposés: de quoi oublier la moitié de ce que l’on a visionné. Le lauréat de la sélection, Tonny’s Dilemma de Nathan Sonenfeld, est une production américaine sans dialogue sortie en 2023 qui dure dix minutes. Nous partageons l’avis du Jury: ce court métrage est tout à fait festif! Fait en visuels 3D qui oscillent entre très propres et complètement laids, on nous montre entre autres des bandits, un bar, un saxophone et un avion - personne n’est trop sûr de ce qui est raconté, mais ce n’est visiblement pas ce qui importe ici. D’une absurdité déroutante, on ne voit pas le temps passer pour autant, et surtout: on rit.

Dans la même veine, on recommandera vivement le dernier des courts métrages: A Goat’s Spell (Gerhard Funk, Allemagne, 2023), qui utilise une multitude de techniques et de mouvements de caméra tout à fait inattendus dans un court métrage en images 3D, par exemple l’utilisation du fisheye. Les couleurs sont spectaculaires, l’esthétique et l’usage de la caméra subjective rappellent le jeu vidéo Minecraft, et le travail sonore est remarquable (une qualité que l’on peut d’ailleurs attribuer à l’ensemble des courts métrages de la sélection!) Une fois de plus, une œuvre où on ne comprend pas grand-chose, mais qui n’en reste pas moins divertissante.

Malheureusement, tous les films n’étaient pas plaisants à l’œil. Évidemment qu’il était impossible d’échapper à une sélection de courts métrages d’animation du LUFF sans qu’il y en ait au moins un généré par une intelligence artificielle. C’était Against Reality d'Olivia Peace (USA, 2022), qui proposait cinq minutes d’images moches accompagnées d’une voix off parlant de rêves et de cauchemars, se terminant abruptement - bon…

Contrairement à l’abondance presque malvenue des courts d’animation, les courts métrages expérimentaux étaient répartis en deux programmes différents de sept et huit films d’environ une heure chacun: une aubaine! Ce second programme saura à nouveau réjouir les férus de productions saugrenues. Le lauréat, Terrifying Holes Compilation (Katherina Aae, Allemagne, 2021) - ex aequo avec Birth Proof (Alex Beriault, Allemagne, 2022) du programme 1 - est, comme le titre l’explicite, une compilation de trous «terrifiants» en tous genres - sans mauvais jeu de mots -, qui prend très rapidement une tournure comique. Un found footage en noir et blanc qui a dû prendre un temps incommensurable à rassembler, pour notre plus grand bonheur.

Dans un autre registre, la première œuvre de la sélection 2, 2 Channel Land (Frank Sweeney, Irlande, 2022), semblable à un documentaire, aborde l’histoire des signaux radio entre l’Irlande et la Grande-Bretagne en suivant une protagoniste amatrice de musique country et de chapeaux de cow-boy. Un univers délirant à coup de surimpressions, de danse et de musique, le tout lié par une esthétique délicate.

On ne saurait oublier Le Misanthrope (Noa Epars, Suisse, 2022): un brochet qui se fascine pour les humains après avoir été capturé puis relâché et qui nous raconte son histoire: une «fable incongrue» en voix off. Un discours critique sur notre société du point de vue d’un poisson, passant par un questionnement écologique accompagné d’une bande originale géniale, et tout ceci en net footage: on ne s’y attendait pas. Il s’agit d’une œuvre totalement déjantée, mais menant à la réflexion avec humour et intelligence, bref, tout à fait délectable. On retrouve la patte du réalisateur - dont le film Serafina (2022) était notamment projeté plus tôt cette année au Tourne-Films Festival Lausanne -, qui n’hésite pas à aborder des sujets inédits et dont l’imaginaire débordant saura toujours transporter son public dans son univers décadent et décalé.

Le dernier court métrage de la sélection, Xiuhtecuhtli (Los Ingravidos, Mexique, 2023), quant à lui, assomme. Peut-être était-ce parce que 16 minutes d’images abstraites, sans dialogue, sur un fond de musique envoûtante pour clore 59 minutes de visionnement, c’est un peu osé? Ou tout simplement parce que nous n’étions pas tout à fait prêts pour un épisode de dissociation un jeudi à 17 heures? Quoi qu’il en soit, si les films expérimentaux ne sont pas votre tasse de thé, il vaut mieux passer votre chemin - sous peine de fous rires nerveux en fin de séance, car l’espace-temps se transforme en un concept abstrait, voire inconnu, alors qu’aucun verre d’absinthe n’a encore été consommé…

Dans la rubrique cinéaste inconnu, cette année le LUFF nous sort de sa manche le réalisateur hongrois Atilla Janisch auquel était consacrée la rétrospective intitulée «Le temps et l’instant» et avec lui, un superbe noir et blanc sur pellicule 33 mm Ombre sur la neige. Là où le film fascine, c’est par sa trouble capacité à mixer les genres, on passe du film contemplatif à la Ceylan au suspense hitchcockien avec une gestion parfaite du son et du rythme, une mise en scène précise qui se marie avec élégance sur une pellicule vieillissante (et un arrêt soudain durant la projection, le film étant très endommagé, le projectionniste a dû bricoler pour que le film puisse repartir). Cette «ombre sur la neige», c’est également une dramaturgie italienne (et son néoréalisme), un questionnement très bressonien (on pense à Pickpocket, avec ici cette histoire de braquage), mais stupeur, le film est récent, sorti en 1992, le rendant hors du temps, et encore plus passionnant.

La rétrospective «Frivolités helléniques, ou la petite histoire du cinéma d’exploitation grec» mettait quant à elle à l’honneur le cinéma érotique grec réalisé sous la dictature des colonels. Parmi ceux-ci figurait L’Insatiable (Apostolos Tegopoulos et Omiros Efstratiadis) un film tourné en 1966, puis remonté en 1971. Il met en scène l’histoire d’Anna, une jeune fille innocente qui tombe éperdument amoureuse de François, un riche homme séducteur qui a probablement le double de son âge et est déjà occupé. Anna se retrouve dans une sorte de triangle amoureux avec la femme que François fréquente, et elle donnera corps et âme (littéralement) pour ce dernier. La scène d’ouverture renvoie au genre de la comédie musicale, et des scènes similaires reviendront à plusieurs moments dans la diégèse, sans que l’on ne comprenne forcément leur utilité. C’est une œuvre on ne peut plus dramatique, autant par son scénario que ses zooms effrénés, ou encore ses jeux de regard incessants. Les scènes de sexe ne sont finalement pas si présentes, laissant place à un récit comiquement tragique et une bande originale entraînante. On ne s’attendait pas du tout à cela, mais son visionnage était tout à fait sympathique, un softporn enfoui sous une comédie dramatique divertissante, on en gardera un bon souvenir.

Le LUFF, c’est aussi l’occasion de découvrir des films de séries B qui n’ont jamais connu de succès en Europe. La section «Opération Bruceploitation» regroupait des films issus d’un phénomène inconnu du grand public que le film de David Gregory Enter The Clones Of Bruce éclaire. Introduit par l’éminent critique Christophe Lemaire, ce film est un invraisemblable documentaire sur un phénomène obscur, la «Bruceploitation»: à la mort soudaine de Bruce Lee au pic de sa carrière après Enter The Dragon en 1973, producteurs et distributeurs n’ont cessé de courir après son remplaçant. Est sorti alors Bruce Li, Bruce Lo, Bruce Le, Dragon Lee, et une constellation de sosies plus ou moins réussis qui se retrouvaient souvent malgré eux dans des nanars sur la vie du «vrai» Bruce Lee, dans des biopics improbables (en réutilisant des images de son enterrement par exemple) ou des répliques low cost de ses précédents films. Là où David Gregory est fort, c’est qu’il a retrouvé la trace d’une grande partie des pseudo-Bruce Lee, et nous raconte à travers eux la machination industrielle les entraînant dans une spirale de travail intenable (ils tournaient 7 jours sur 7, 150 films en moyenne chacun), et bien sûr, sous-payés et abandonnés à leur sort dès l’arrivée du successeur définitif, Jackie Chan.

Les Clones de Bruce Lee (Joseph Velasco, Hong Kong/Philippines, 1980), projeté dimanche soir pour clore le festival sur une note divertissante, s’inscrit dans la série des films de la «Bruceploitation» dépeinte par David Gregory. Cependant, contrairement à la majorité des autres films issus de ce phénomène qui sont de simples contrefaçons cherchant à imiter tant bien que mal les films de Bruce Lee en exploitant l’image mythique de ce dernier, Les Clones de Bruce Lee semble assumer pleinement sa dimension nanardesque en montrant trois sosies approximatifs côte à côte. Réalisé par Joseph Velasco alias Joseph Kong - qui a fait une dizaine de films du même type - Les Clones de Bruce Lee met en scène (comme le titre le laisse deviner) le clonage de Bruce Lee après sa mort. Les services secrets britanniques profitent de qualités de combat des Bruce Lee n. 1, 2 et 3 pour les envoyer en mission à travers le monde, notamment pour éliminer le machiavélique docteur Ny, qui a transformé ses acolytes en bronze (oui, oui).

Les Clones de Bruce Lee enchaîne les scènes de combat aux bruitages étonnants (c’est le moins qu’on puisse dire) et aux chorégraphies dignes des plus grands films de kung-fu (enfin, presque…) Un film bricolé qui ne se prend pas au sérieux et qui est, somme toute, assez plaisant à voir - à condition de le regarder au second degré!

Pierig Leray, Fanny Lamoureux et Joas Maggetti